Antonín Pospíšil

Současná malba není jediným stylem, ale polem nekonečného experimentování, kde koexistují tradiční plátna a digitální NFT, kde námět může být hyperrealistický nebo zcela chybějící, kde je umělec někdy šamanem, někdy programátorem, někdy provokatérem. Po krizi „všechno už bylo hotovo“ na konci 20. století malba nezemřela – mutovala, rozšířila se a stala se multidisciplinární. Dnes mluví mnoha jazyky – a hledá nové významy ve světě přetíženém obrazy.

Postmodernismus zničil hierarchie: „vysoké“ a „nízké“ umění, „krásné“ a „ošklivé“, „originální“ a „kopie“ – vše se prolínalo. Umělci citují minulost, zesměšňují kánony a kombinují neslučitelné. Damien Hirst umisťuje zvířata do formaldehydu, Banksy maluje graffiti se sociálním podtextem, Yayoi Kusama pokrývá vše tečkami – a to vše se nazývá malba, i když to často jde ještě dál. Současná malba není technika, ale koncept.

Digitální revoluce změnila všechno. Programy jako Procreate, Photoshop, 3D modelování a generátory umělé inteligence se staly nástroji umělců. Objevily se NFT – nezaměnitelné tokeny – které proměnily digitální obrazy v unikátní sběratelské předměty. Beeple prodal koláž 5 000 obrazů za 69 milionů dolarů – a to byl zlomový bod. Digitální umění není „neskutečné“ – je prostě jiné: rychlé, interaktivní, globální a často anonymní.

Tradiční malba se však nevzdává. Mnoho umělců se vrací k plátnu, olejům a štětcům – jako akty odporu vůči digitálnímu proudu. Hyperrealismus (Roberto Bernani, Diego Fazio) udivuje svými detaily, jako fotografie, ale je ručně vyrobený. Neoexpresionismus (Julian Schnabel, Anselm Kiefer) vrací emoce, gesto a materialitu. Malba se stává pomalým uměním – protiváhou rychlosti Instagramu.

Sociální otázky jsou ústředním tématem této éry. Rasismus, feminismus, ekologie, válka, migrace, identita – to vše je na plátnech současných umělců. Kerry James Marshall maluje velkoformátová plátna s černošskými postavami a znovu si tak získává své místo v dějinách umění. Aj Wej-wej používá malbu jako politický manifest. Jana Šemonajevová tvoří díla o ženském traumatu a síle. Umění už nemůže být „jen krásné“ – musí být smysluplné.

Stránky: 1 2

Abstraktní umění je jedním z nejzáhadnějších, nejkontroverznějších a nejrevolučnějších hnutí v dějinách malířství. Odmítlo zobrazování reálného světa – lidí, stromů, domů – a obrátilo se k čisté formě, barvě, linii a gestu. Abstrakce nevypráví příběh – evokuje pocit. Nezobrazuje předmět – vyjadřuje myšlenku. Nenapodobuje přírodu – vytváří novou realitu. Toto umění není pro oči, ale pro duši – a od diváka vyžaduje nikoli porozumění, ale prožívání.

Vasilij Kandinskij byl průkopníkem abstrakce. V roce 1910 namaloval první zcela abstraktní obraz na světě – bez náznaku hmotného světa. Věřil, že barva a forma mají duchovní sílu, schopnou ovlivnit duši, jako hudba. Jeho teoretické dílo „O duchovním v umění“ (1911) se stalo manifestem nového umění. Pro něj je modrá barvou nebe a spirituality, žlutá je pozemská a agresivní a červená je aktivní a zářivá. Každá linie, každý tah štětcem je zvukem v symfonii barev.

Abstrakci brzy přijali i další mistři. Piet Mondrian rozvinul geometrickou abstrakci – jeho „Kompozice“ s černými čarami a barevnými obdélníky (červená, modrá, žlutá) vyjadřovaly myšlenku univerzální harmonie a kosmického řádu. Kazimir Malevič vytvořil „Černý čtverec“ (1915) – ikonu suprematismu, symbol „nulové formy“, odmítnutí veškeré materiálnosti ve prospěch čistého citu. Pro něj to byla „tvář nového malířství“, začátek nové éry.

Abstrakce není jednotná. Lyrická (Kandinsky, Miro) – svobodná, emocionální, poetická; geometrická (Mondrian, Albers) – striktní, racionální, konstruktivní; gesturální neboli abstraktní expresionismus (Pollock, de Kooning) – kde se samotný proces nanášení barvy stává uměním. Jackson Pollock vůbec nepoužíval štětec – barvu lil, kapal a stříkal na plátno ležící na podlaze. Jeho „kapající“ obrazy jsou záznamy energie, pohybu, chaosu a kontroly.

Proč je abstrakce tak kontroverzní? Protože vyžaduje aktivní účast diváka. Realistický obraz „dává“ význam; abstrakce „žádá“, abychom ho našli. Neexistuje jediné správné čtení. Někdo vidí v Miroově obraze kosmos, jiný vzpomínky z dětství, třetí prostě krásné formy. Toto je umění svobody – umělcova svoboda tvořit, divákova svoboda interpretovat. Nevysvětluje – naznačuje.

Stránky: 1 2

Vincent van Gogh je jedním z nejslavnějších, nejtragičtějších a nejinspirativnějších umělců v historii. Během svého krátkého života (37 let) vytvořil přes 2 100 děl, včetně 860 olejomaleb, z nichž většina byla dokončena v jeho posledních dvou letech. Za života nebyl uznáván, prodal pouze jeden obraz, trpěl duševní chorobou, uřízl si část ucha a spáchal sebevraždu. Byl to však on, kdo změnil umění – proměnil malbu ze zobrazení světa v vyjádření vnitřních stavů, emocionální bolesti, extáze a lásky k životu.

Van Gogh se „nenarodil jako umělec“. Až do 27 let se pokoušel o prodej umění, učení a kázání – ve všem se mu nedařilo. Teprve koncem 80. let 19. století se začal vážně věnovat štětci, inspirován sociální nespravedlností a touhou „mluvit k lidem prostřednictvím barvy“. Jeho raná díla („Jedlíci brambor“, 1885) jsou temná, zemitá a plná soucitu s obyčejnými lidmi. Všechno se ale změnilo, když se přestěhoval do Paříže a poté do Arles na jihu Francie.

Jih byl pro van Gogha zjevením. Jasné slunce, barvy, příroda – to vše explodovalo v jeho paletě. Začal používat čisté, syté barvy: kobaltovou modř, kadmiovou žluť, smaragdově zelenou. Jeho malba štětcem se stala energickou, vířivou, téměř obsesivní. „Slunečnice“, „Ložnice v Arles“ a „Noční kavárna“ byly namalovány v letech 1888–1889, v období jeho největšího tvůrčího projevu. Každý obraz není krajinou, ale emocí, ne zátiším, ale pláčem srdce.

„Hvězdná noc“ (1889), snad nejslavnější van Goghův obraz, vznikl v psychiatrické léčebně Saint-Rémy. Toto není ilustrace noční oblohy, ale vizualizace vnitřního stavu: vířící hvězdy, pulzující měsíc, hořící obloha, klidná vesnice pod ním – to vše symboly boje, strachu, naděje a stesku po domově. Van Gogh nemaloval „krásně“ – maloval „pravdivě“, jak cítil. Jeho umění je terapie, modlitba, deník psaný barvou.

Pro Van Gogha není barva popisem, ale symbolem. Žlutá je barvou slunce, radosti, ale také šílenství (ve „Žlutém pokoji“ a „Slunečnice“). Modrá je melancholie, nekonečno, spiritualita („Hvězdná noc“, „Autoportrét s useknutým uchem“). Červená a zelená jsou kontrastem vášně a míru („Noční kavárna“). Svému bratrovi Theovi napsal: „Snažím se červenou a zelenou vyjádřit hrůzy lidské vášně.“ Pro něj byla barva jazykem emocí.

Stránky: 1 2

Impresionismus byl revolučním hnutím v malířství, které se objevilo ve Francii v 60. a 70. letech 19. století a změnilo samotné chápání toho, co je obraz. Impresionisté odmítli akademické kánony, idealizaci a historická témata a vydali se do plenéru, aby zachytili skutečný svět – ne v muzeu, ale na ulici, v zahradě, u řeky. Jejich cílem bylo zprostředkovat nikoli formu, ale dojem (odtud název), ne detail, ale světlo; ne věčnost, ale okamžik.

Hlavním objevem impresionistů bylo světlo. Chápali, že barva objektu nezávisí na jeho „podstatě“, ale na osvětlení, denní době a počasí. Stíny nejsou šedé ani černé, ale modré, fialové nebo zelené. Sníh není bílý, ale růžový, světle modrý nebo žlutý. Ve své sérii „Kupky sena“ nebo „Rouenská katedrála“ Claude Monet zobrazil stejný objekt v různých denních dobách a ukázal, jak ho světlo mění k nepoznání. Nešlo jen o techniku ​​– byla to nová filozofie vnímání světa.

Impresionistická malba se stala volnou, lehkou a fragmentovanou. Barvu nanášeli krátkými, často nedokončenými tahy, což umožňovalo divákovu oku „míchat“ barvy z dálky. To vytvářelo efekt vibrací, pohybu a vzduchu. Zblízka se obraz jevil chaoticky, ale z dálky harmonicky a živě. Tento přístup šokoval veřejnost i kritiky, zvyklé na hladká, „hotová“ plátna. První impresionistická výstava v roce 1874 se setkala s posměchem – ale právě tato výstava se zapsala do historie.

Témata obrazů byla jednoduchá a srozumitelná: pařížské bulváry, kavárny, vlaková nádraží, zahrady, řeky, promenády a tance. Umělci zobrazovali současný život – ne hrdiny a bohy, ale obyčejné lidi: pradleny, bujaré hosty, děti, kolemjdoucí. Pierre-Auguste Renoir maloval oslavy a tance s takovou radostí a vřelostí, že se jeho obrazy („Moulin de la Galette“, „Veselí se v Bougivalu“) staly hymnami života. Édouard Manet, ačkoli se nepovažoval za impresionistu, vydláždil cestu svými obrazy „Oběd na trávě“ a „Olympia“ – provokativně moderními, bez idealizace.

Umělkyně hrály v tomto hnutí zásadní roli. Berthe Morisot, Mary Cassatt, Eva Gonzalès – všechny zpochybňovaly patriarchální svět umění, malovaly za stejných podmínek jako muži, vystavovaly a prodávaly svá díla. Cassatt, Američanka žijící v Paříži, se proslavila svými něžnými scénami mateřství, v nichž vyjadřovala jemné emoce bez sentimentality. Morisot – vzdušné interiéry a krajiny plné světla a ženské intuice. Jejich přínos byl dlouho podceňován, ale dnes je uznáván a žádaný.

Stránky: 1 2

Renesance je jedním z nejživějších a nejtransformativnějších období v dějinách umění, které představuje přechod od středověkého světonázoru k novému, humanistickému. Vznikla ve Florencii ve 14. století, rozšířila se po celé Evropě a svého vrcholu dosáhla v 15. a 16. století. Renesanční malířství odmítlo konvence a symboliku středověku a odhalilo divákovi skutečný, harmonický a proporcionální svět, kde do centra pozornosti staví člověk – jeho tělo, mysl, emoce a duchovní hledání.

Jedním z největších úspěchů této epochy bylo zvládnutí lineární perspektivy. Umělci jako Filippo Brunelleschi a Masaccio se naučili zobrazovat prostor tak, aby se oku zdál skutečný. To dodalo obrazům hloubku, objem a pocit „okna do světa“. Perspektiva se stala více než jen technikou, ale filozofií – symbolem touhy člověka pochopit a uspořádat svět kolem sebe. V obrazech jako Masacciova „Trojice“ a Raffaelova „Athénská škola“ slouží perspektiva nejen vizuálnímu efektu, ale také myšlence – oslavování rozumu a harmonie.

Anatomická přesnost je dalším pilířem renesančního malířství. Umělci studovali lidské tělo prostřednictvím pitev, skic a pozorování. Leonardo da Vinci například zanechal stovky anatomických skic, zkoumajících svalstvo, kostry a pohyb. To mu umožnilo vytvořit „Vitruviánského muže“ – symbol ideálních proporcí – a v „Moně Lise“ zprostředkovat nejen fyzickou podobnost, ale i vnitřní život modelu. Michelangelo ve „Stvoření Adama“ na stropě Sixtinské kaple zobrazoval těla s takovou silou a expresivitou, že se stala měřítkem po staletí.

Revolucí prošly i barvy a světlo. Umělci začali používat šerosvit k vytváření objemu a také sfumato, techniku ​​kouřového přechodu tónů, kterou vynalezl Leonardo. To vytvořilo jemnost, atmosféru a psychologickou hloubku. Tizian a Giorgione v Benátkách rozvinuli kolorismus – umění vyjadřovat emoce barvou. Jejich obrazy, jako například „Spící Venuše“ a „Venuše Urbino“, nejsou jen akty, ale ódy na smyslnost, harmonii a pozemskou krásu.

Změnila se i témata obrazů. Výhradně náboženské náměty byly nahrazeny mytologickými, historickými, portrétními a každodenními kompozicemi. Umělci zobrazovali starověké bohy, filozofy a současníky – bankéře, básníky a panovníky. Portrét se stal samostatným žánrem: Botticelliho „Mona Lisa“, „Mladý muž s medailonem“ a Jan van Eyckův „Arnolfiniho portrét“ – všechny byly pokusy zachytit jednotlivce, jeho vnitřní svět, postavení a dobu. Člověk přestal být součástí božského plánu; stal se hrdinou svého vlastního příběhu.

Stránky: 1 2